Entrevista con Daniel Noah Miller «creo que el arte es necesario cuando las palabras no alcanzan»

Daniel Noah Miller, ex integrante de Lewis del Mar habla sobre su debut como solista «Disintegration», que refleja un período de agitación personal marcado por la pérdida de su padre, una ruptura amorosa y relaciones tensas durante la pandemia. También recuerda con cariño su estancia en Chile, donde estudió literatura y música, participó en protestas y apreció la vibrante y arriesgada escena musical.

Daniel, ¿por qué ahora eres solo tú? ¿Por qué llamaste a tu álbum «Disintegration»? ¿Cuál es el propósito detrás de eso?

Estaba pasando por un período de mi vida en el que todo parecía como si estuviera cambiando, tenía muchas relaciones que pasaban por un momento difícil. Perdí a mi padre, estaba en una relación romántica que terminó y tenía muchas amistades que sentí que se habían alejado durante la pandemia, así que estaba escribiendo música sobre todas esas cosas y luego me di cuenta de que tal vez había algo más grande, un patrón o idea en todo el mundo. Sentí que había una falla en la comunicación, que comenzó hace 30 años y que había separado a las personas unas de otras, ese fue el pensamiento detrás de todo esto. Me inspiré en un proyecto ambiental llamado «The disintegration loops» de William Basinski, ese trabajo se hizo después del 11 de septiembre y escuché muchos otros trabajos ambientales mientras estaba haciendo este álbum y se me ocurrió que habíamos avanzado más en ese camino de estar desconectados unos de otros y debido a lo que implicó en mi vida y todo el tiempo que pasé solo haciendo este disco, sentí que era el momento adecuado en mi carrera para dar un paso en esta parte de estar solo.

Lamento escuchar tus pérdidas y puede sonar extraño, pero a veces las pérdidas y el dolor sacan el arte a la luz. La gente también tiende a crear cuando está feliz, pero parece que profundiza más cuando hay una lucha.

Estoy de acuerdo, creo que el arte es necesario cuando las palabras no alcanzan. 

Anteriormente, cuando señalabas tu celular mientras hablabas de la falla en las comunicaciones y de que estamos cerca del 30 aniversario de tener mucha potencia informática en nuestras manos, recuerdo la letra de una canción llamada “Broken” de una banda llamada UNKLE, que dice así:

“We’re miles adrift, we’re inches apart” / “Estamos distanciados por kilómetros, pero alejados por centímetros”

Es curioso, leí la biografía de Steve Jobs la última vez que estuve de gira y obviamente era una persona muy motivada y complicada, pero algo que me llamó la atención fue que tiene una hija no reconocida, tiene una hija con que nunca reclamó como propia. Ella ha dado entrevistas sobre el tema, pero supongo que Steve Jobs, cuando lo miras a través del documental de su vida realizado por Walter Isaacson, se muestra como una persona muy egocéntrica y lo digo literalmente. Creo que estuvo en el centro de gran parte de su vida, así que no sorprende que el iPhone nos haya ayudado de muchas maneras, pero también claramente nos hizo daño al sentirnos como el personaje principal de nuestra existencia. Llevó a cosas como que las personas estuvieran más separadas de sus familias, a pesar de que tenemos la tecnología para hablar con ellos todo el tiempo. Entonces creo que eso no es una coincidencia y eso es lo que siento al respecto. Era algo que se hizo con la cabeza y no con el corazón. Y eso es lo que tenemos.

El título de una canción en tu álbum que sentí que era muy personal o directo es “You Never Fight On My Time” ¿De qué trata?

Es gracioso porque creo que el título es el significado de alguna manera, muchas veces en las relaciones amorosas, las cosas terminan siendo más importantes por la forma en que te comunicas que por lo que estás diciendo y también aprendes eso. Las personas procesan la información y la experimentan de manera muy diferente. Por eso creo que cuando estás en una relación, amistad, relación romántica o relación con tu familia, es muy importante crear espacio en la relación para la forma en que otra persona ve el mundo o se mueve en su vida. Es muy difícil llegar a un terreno común si todo lo que sucede tiene que transcurrir como tu versión de los hechos o tu escenario ideal, y creo que la canción trata sobre eso. Se trata de pedir gracia. Es como si nunca lucharas por mi tiempo o por la forma en que quiero comunicarme.

Lewis Del Mar, es diferente en muchos sentidos, pero ¿fue realmente intencional construir un camino completamente diferente para ti?

Sí, intenté construir un nuevo camino. Creo que tengo más trabajo por hacer, pero creo que sucedió de manera muy natural, teníamos un proceso muy específico a través del cual hicimos todas las cosas de Lewis Del Mar, así que simplemente cambiando el proceso terminé con un resultado diferente. No fue algo en lo que pensé de manera súper consciente, creo que lo que escribo es más bien caso por caso. Me gustaría reflejarme en la producción y cuando haces eso, te lleva a un lugar nuevo cada vez.

Hablando de producción, ¿puedes explicarnos un poco? ¿Cómo abordas la creación de tu propia música? Puede parecer que es más lofi, pero tal vez no lo es y eso es algo de lo que nosotros, como audiencia, en realidad no sabemos mucho.

Bueno, creo que con respecto a mi proyecto, trato de verlo como una especie de enfoque híbrido, hay muchas técnicas analógicas que se utilizan para grabarlo y luego también se hace en una computadora de la forma en que se realiza la mayoría de las grabaciones en la actualidad. Eso te da la oportunidad de manipular muchos sonidos, en general capturar una forma diferente de hacer las cosas que cuando lo haces completamente en vivo. Gran parte del ambiente y las texturas de fondo en la producción se hicieron con cintas de casete. Jack y yo, la persona con la que trabajé en el álbum, construimos nuestros propios loops de casete y los reamplificamos. Grabaciones ambientales que había capturado durante el proceso: yo hablando con amigos, yo haciendo caminatas, todas estas cosas diferentes. Ponemos todo eso en los casetes y terminaron convirtiéndose en la base de la textura de gran parte de la música. Creo que, en general, lo interesante de tal vez este momento en la música donde las cosas están volviendo a algunos de esos sonidos y al polvo de las técnicas analógicas. Creo que es algo interesante porque dice mucho sobre lo que nos esforzamos colectivamente, como si el arte tiende a predecir el futuro. Claramente a la gente le falta algo físico en esta existencia súper digital.

Somos como un pueblo colectivo, ansiamos un paso atrás. Y esto se ve en todos los medios, la gente incluso ha comenzado a filmar más películas, hasta en 16 milímetros. La desventaja de algo de esto es que hay un millón de maneras de hacer que algo suene lofi o hay un millón de maneras de lograr tonos analógicos en tu música, pero es un gran obstáculo para mucha gente. Compran mucho equipo pero ya no tienes que usarlo. No requiere el tipo de aprendizaje previo cuando solías obtener un Pultec (ecualizador que permite modificar el balance de frecuencias de una señal de audio) y esa era la única forma de comprimir tu voz, por lo que necesitabas conocer cada parámetro en un Pultec para conseguir los tonos vocales que buscabas. Ahora la gente compra un Pultec y no lo usa por su precio. Los complementos digitales han acercado la tecnología, puedes comprar una versión digital del Pultec por $49.00 USD y mientras que el aparato puede costar entre $ 2500 USD y $ 3000 USD. Lo que termina sucediendo a menudo es que hoy en día, cuando entro en algunos estudios que tienen un montón de equipos analógicos, nadie sabe realmente cómo usarlos y es un enigma divertido. Puedes perder mucho tiempo jugando con compresores y esas cosas y obviamente yo uso muchas de esas cosas, pero cuando escribo y esbozo las ideas, no uso nada de eso. Me gusta trabajar lo más rápido posible y si vuelvo a algo quiero rehacerlo con una de esas técnicas. Veo a mucha gente perderse en el mundo de los equipos y, además, después de la pandemia, muchas de esas cosas son muy caras, la gente ha subido los precios y los quieren revender por muchísimo dinero.

Intento entender de tu respuesta es que nos falta algo de fisicalidad en nuestra música. Solíamos tener un cuadernillo (booklet) y leer la letra o mirar el arte de un álbum y luego pasar tiempo con él y eso conectaba con nosotros y ahora que todo es digital y lo tenemos todo en la palma de nuestras manos podemos cambiar muy rápidamente. Ni siquiera tienes que levantarte e ir a cambiar la cinta o voltear el vinilo ni nada por el estilo. Parece que estamos perdiendo un poco de ese aspecto físico, tal vez sólo para la gente mayor, pero también para los más jóvenes.

Totalmente y creo que también lo que estamos encontrando es que cuando volvemos a esas cosas, hay una conexión emocional allí. Cuando pones discos y suenan con una aguja, lo curioso de eso es que la calidad del sonido no es tan buena como la del digital. No es tan bueno, pero eso no es lo que anhelamos. De hecho, anhelamos algo de eso. La gente no siempre necesita una mejor calidad de sonido. Y mucho del polvo que hay sobre lo que sea, esas cosas son muy agradables para nuestros sentidos emocionales. Y creo que eso es cierto acerca de la música. Quiero decir, la otra cosa que está sucediendo es por la cantidad de tiempo que todos pasan frente a la pantalla en su vida normal. Ya ni siquiera quiero entrar al estudio y mirar una computadora. Tengo mi estudio actual configurado para que haya un mezclador en el escritorio y luego estoy ejecutando muchos instrumentos en él. De modo que cuando estoy demostrando ideas, no tengo que mirar una pantalla, es una vida muy opresiva a veces. 

Lo entiendo, trabajo con pantallas todo el tiempo y desafortunadamente apago la pantalla de la computadora y luego empiezo a ver otra pantalla

Exacto, algo así

¿Hay algún plan de gira? ¿Cuál es el mejor escenario para ti en términos de qué tipo de concierto quieres hacer y cómo lo abordarías? Este acercamiento híbrido con el uso de cintas en bucle y luego digitalización y luego intentar replicarlas en un entorno en vivo.

Empecé a hacerlo y realmente tengo todo ese equipo en el escenario conmigo. Tengo una torre de casetes en el escenario, tengo un montón de pedales de looping, tengo un sampler y está construido alrededor de un Rhodes, además de una guitarra y algunos retardos digitales o supongo que son retardos analógicos. Lo tengo todo en el escenario. Hay algunas fotos en mi Instagram con esta pequeña configuración y toco el programa solo, pruebo todo esto y creo una versión ambiental del álbum. No se parece en nada al disco. De hecho, hay algunas grabaciones. Tengo todos mis programas archivados, así que hay algunas grabaciones de los sets en línea. Sólo quiero seguir expandiéndolo y quiero que la gente venga al show y tenga una experiencia diferente a la que tienen cuando están en casa escuchando el álbum.

Cosa que a veces no pasa con otra música. Es como si alguien presionara play y fuera exactamente lo mismo. La gente simplemente se reúne como en una fiesta para escuchar.

Sí, es muy extraño para mí. Las computadoras realmente han cambiado la forma en que interactuamos con la música, pero lo entiendo.

¿Puedes contarnos sobre tu experiencia en Valparaíso?

Viví en Valparaíso con una familia anfitriona, cuando estaba estudiando en la universidad, estudié literatura en español y música. Estuve por allá por un año, viví en Viña, cerquita de la playa, así que fui a surfear mucho. Fui a Reñaca y a todas partes. Tuve tres hermanos anfitriones y todos eran muy buena onda. Tocaba música con algunas personas, iba a distintas partes, salíamos. ¿Todavía existe la Sala en Valparaíso? Era un club 

Cuando estuviste en Chile, ¿viste algo de la escena musical chilena, querías participar de alguna manera?

Sí, porque en el sur del continente y en México también, hay una escena de rock muy interesante, distinta, una escena que sentí innovadora, en Estados Unidos, ya no hay tanto esa escena, es demasiado vieja. Allá sentí que era un poquito más grunge, más peligrosa o ruidosa o arriesgada, al menos en los subterráneos en Valparaíso, era algo muy cool, más bien muy «bacán». Realmente amé mi tiempo en Chile. Hubo una protesta, la escuela donde yo estudiaba estuvo cerrada como un mes, estaban subiendo la matrícula y yo traté de participar en las protestas, me manifesté con algunos otros estudiantes. Cuando todo estuvo cerrado me fui de viaje a dedo hasta la frontera con Perú, y fue como viajar en el tiempo 60 años atrás. Era muy seguro, todos fueron muy acogedores, me quedé en casas de diferentes personas, acampé en la playa por la noche, fue una experiencia loca, única en la vida. También fui a la Patagonia al final de mi estancia allí. Que hermoso país Chile y la gente es hermosa, y todavía hablo con mi familia allí. Hablé con ellos preocupado por los incendios recientemente. Recordé con mucho cariño mi tiempo allí. Incluso hice un poco de música allí, estoy bastante seguro de que hay algunos videos míos tocando con algunas personas allí. ¡Qué país tan único!

Y los chilenos protestan, defienden lo que creen, lo correcto.

Sí, la gente en Centroamérica también lo hace, y deberían hacerlo. Mi papá era sandinista en Nicaragua. Al igual que otras poblaciones de ideas similares que protestan por lo correcto, aumentaron la matrícula de una manera que la gente en Estados Unidos no notaría, o no le importaría, un aumento del 2%. Pero la protesta fue enorme, había tanques en las calles, la gente lanzaba cócteles molotov y también hubo disturbios. Estados Unidos está moralmente en bancarrota, la educación debería ser gratuita, pero la gente no se da cuenta, por eso deberíamos pasar tiempo en lugares donde la gente sí se preocupa por las cosas correctas. 

Todavía no lo entiendo. ¿Por qué todo es tan caro en materia de educación en Estados Unidos?

Es una locura, ¿verdad?

Es fantástico encontrar a alguien que no esté centrado en Estados Unidos y que no le entusiasme la idea de que es el único país del mundo o, peor aún, que sólo importa su ciudad o mi estado y es lo único que importa.

Estamos mal. Llevamos un tiempo mal, tengo la suerte de que parte de mi familia no sea de aquí y que mi madre viajó por el mundo ayudando a otras personas y me llevó a muchos lugares cuando era joven. Ya no es el sueño estar aquí. Es el sueño estar en otro lugar.

Y cuando la gente de Estados Unidos empieza a vivir en otros lugares, deberían pagar impuestos cuando se establecen, por ejemplo la Ciudad de México está lleno de ellos, son inmigrantes, pero les gustar que les llamen de otra manera, nómadas digitales. 

Por supuesto, hay mucha gente que no paga y es importante ir allí y ser parte de eso, especialmente como ciudadanos estadounidenses que viajan al extranjero. También hay un gran problema aquí en Estados Unidos, dejamos que cualquiera compre una casa, hay multimillonarios de todo el mundo que compran casas en vecindarios aleatorios de Estados Unidos y nadie vive allí, simplemente las derriban o las dejan morir. Cambian la forma de un vecindario y nadie vive en ellos, son sólo cuentas bancarias para esta gente. Creo que es muy importante que cuando la gente va a México o a Portugal o a todos estos lugares, donde la gente se muda, tiene que vivir allí durante un par de años antes de poder comprar una casa, ser parte de la sociedad.