Y se nos va un 2023 tremendamente rico en material musical, donde como cada año tuvimos de todo, pero además donde damos cuenta que cada vez hay más y más propuestas tratando de sorprender, tratando de torcer la regla y las métricas/fórmulas/temáticas recurrentes en cuanto a las formas de crear música, donde la reinvención es la meta claramente hoy en día. En ese ejercicio, cuales espermatozoides musicales solo algunos lo logran y otros pueden llegar a fallar estrepitosamente. Cada año la barrera es más alta, cada vez es más difícil lograr destacar entre miles y miles de propuestas, géneros y alternativas. En esa difícil encrucijada nos toca año a año seleccionar como equipo cuales fueron los mejores. En esta pasada, en un ejercicio muy democrático y minucioso de preselección, selección y votaciones, Nación Rock y su staff se involucró en el tema tratando de rescatar lo mejor en materia internacional. El resultado, 50 discos que dan cuenta de que la diversidad está a flor de piel al momento de elaborar y también de elegir: con el metal progresivo dando fuerte cara, esta suerte de revival del emo y metalcore por otro, la experimentación, fusión y simbiosis ecléctica de algunas propuestas en pos de volar cabezas, nuevos géneros asomando, bandas consagradas que quieren seguir diciendo presente, la sutileza de las melodías y de saber contar buenas historias, son siempre bienvenidas en otros casos y la reformulación de bandas que quieren probar, fallar, probar, mejorar, probar y seguir experimentando, hasta finalmente lograr romperla y meter ese disco que siempre soñaron.

Sin más, estos son los 50 discos del año según Nación Rock.

50.-Of Golden Verse-Sermon

Al reino cada vez más grande del metal progresivo moderno se suma la presencia de Sermon. El segundo álbum de la banda golpea fuerte. La intensidad instrumental y vocal transforma la experiencia del álbum en una liturgia del metal, como si fuese la banda sonora de una tribu metalera. Una batería grave y profunda que resuelve gran parte de las canciones con un uso acotado de los platillos; platillos que cuando son usados destacan por su brillo y agudeza. Peculiaridad que se desarrolla junto a una voz sostenida y una instrumentación oscura y tensa. La voz de Him, personaje de tétrica máscara y cuya identidad sigue en las sombras, tiene una impronta angustiosa y profunda que hace vibrar a cada canción. La propuesta de Sermon amasa con éxito diversas influencias. Se siente ese aura gótico y doom metal, pero coloreado virtuosamente con el progresivo en percusiones y escalas. Las voces en eco y el uso extenso del sintetizador para sonidos oscuros y acuosos son elementos que suman para una banda que se está abriendo paso en un género que se ha diversificado ampliamente en los últimos diez años. Una carrera que recién comienza y que se anota con una mención dentro de lo mejor de este año.

49.-Chaos Horrific-Cannibal Corpse

Chaos Horrific, el 16° álbum de la banda, y el segundo en contar con el guitarrista Erik Rutan (Hate Eternal, ex-Morbid Angel), quien se incorporó en 2020 para sustituir a Pat O´Brien. Lo nuevo de los neoyorquinos continúa en la línea de Violence Unimagined, pero mejora a su antecesor, y si bien no es un álbum que se pueda considerar algo novedoso, tampoco le podemos considerar más de lo mismo. Overlords of Violence, demencial comienzo con unos poderosos y contundentes golpes de batería ejecutados por Mazurkiewicz y el bajo de Webster preparan la matanza que vendrá luego una vez entren también en juego las guitarras de Barrett y Rutan, y también la brutal voz de Corpsegrinder. Blood Blind, Intenso, denso, con una buena cadencia en sus riffs, buen comienzo del tema. Vengeful Invasion, Empieza de forma que recuerda un poco a viejas épocas, pero luego retoma al sonido totalmente aplicado en 2023. La nueva obra de Cannibal Corpse sigue en la línea de su antecesor, pero mejorado. Una carnicería absoluta que destila violencia y brutalidad sin mesura alguna a lo largo de sus 40 minutos, produciendo una verdadera volada de cabeza con sus riffs asesinos donde se encuentra la firma de Erik Rutan, quien viene aportando con su propia personalidad. Ningún adepto al death metal debería dejarlo pasar por alto. De escucha obligatoria para todo deathmetalero.

48.-This Stupid World- Yo La Tengo

A estas alturas, Yo La Tengo cuenta con material de sobra para vivir de rentas pasadas, tal como muchos de sus compañeros de generación de los 90. Es por eso que un álbum de la calidad de “This stupid world” a estas alturas se agradece. Canciones como ‘Sinatra drive breakdown’ o ‘Tonight’s episode’ recuerdan los mejores momentos de la etapa clásica, pudiéndose meter perfectamente entre medio de “Painful” o “Electr-O-pura”, y el cierre con ‘Miles away’ es un abrazo hecho canción. Se sabe que Ira Kaplan registra obsesivamente -tal como lo hacía con sus bandas favoritas en el colegio- los setlist que Yo La Tengo interpreta cada noche, modificándolos para que siempre sean una sorpresa para los fanáticos. Para alegría nuestra, “This stupid world” cuenta con una batería de canciones suficientemente buenas para seguir alimentando el repertorio de estos héroes del indie rock.

47.-Fall Out Boy- So Much (For Stardust)

20 años de carrera vinieron a coronar los estadounidenses con el que quizás es su álbum mas ambicioso musicalmente: inclusiones orquestales, mucho amor a la instrumentación, groove, funky y sensaciones de renovación nos dejan claro que FOB llegaron con esta grandilocuencia que supieron además llevar al formato en vivo: las orquestas de Danny Elfman fueron influyentes para temas como ‘I am My Own Muse’ y la sensación de banda que se quiere divertir con la gracia de The 1975 o algún manual sacado de los Jackson 5, está en todo. Si no, escuchemos cosas como ‘Heartbreak Feel So Good’, ‘Hold me like a Grudge’ o ‘What A Time To Be Alive’, donde la vibra es espectacular y se va esparciendo por todo el recorrido de la placa. En cuanto a letras, el conjunto abraza las más desgarradoras de su manual, hablando sobre estos tiempos de espíritu de apocalipsis en modo fantástico, de términos de relaciones, de no tomar todo con tanta amargura, pero de abrazar además, pese a los años a cuestas, nuevos horizontes tanto filosóficos como musicales.

46.- Yves Tumor, Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)

El más reciente álbum de estudio de Yves Tumor, es una obra ambiciosa y desafiante que sintetiza una amplia gama de géneros, influencias y sensibilidades. El álbum es una mezcla de rock alternativo, shoegaze, electrónica, pop, art rock y experimental, con guiños a artistas como David Bowie, Prince, Throbbing Gristle, My Bloody Valentine y Nine Inch Nails. El álbum comienza con la canción «God Is a Circle», un grito de ayuda desesperado que explora temas como las relaciones tóxicas, la pérdida del control y la perspectiva. La canción está llena de energía y tensión, con una línea de bajo insistente y una base rítmica contundente. La voz de Yves Tumor es desgarradora y expresiva, y la letra es críptica y ambigua, dejando mucho espacio para la interpretación. «Lovely Sewer», un dueto con Kidä, es más suave y melancólica que la anterior, y explora temas como el amor perdido y la soledad, donde la letra es más directa y personal. «Meteora Blues» es un rockero alt-pop con un sonido retro, pegadiza y bailable y tiene un gancho irresistible. «Parody» y «Heaven Surround Us Like a Hood» son dos canciones con un sonido más experimental. «Parody» es una canción de falsete que explora temas como la identidad y la autopresentación. «Heaven Surround Us Like a Hood» es una canción más oscura y siniestra que explora temas como la paranoia y la alienación. «Operator» es una canción de protesta que cuestiona las convenciones sociales y la religión. «Echolalia» ha aparecido en diversas listas anuales como una de las mejores canciones del año. En general es un álbum ambicioso y desafiante que ofrece una amplia gama de emociones y experiencias, una muestra del talento y la versatilidad de Yves Tumor, que requiere tiempo y atención para ser apreciado plenamente.

45.- The WAEVE- The WAEVE

Es una lástima que el debut homónimo de The WAEVE, el dúo compuesto por Graham Coxon y Rose Elinor Dougall, haya pasado así de inadvertido este año. No es una sorpresa, teniendo en cuenta que Blur se desplegó con fuerza el 2023, con una gira que los trajo incluso a Sudamérica, y un disco que cosechó buenas críticas. Y la comparación va más allá de la doble militancia del buen Coxon. Lo del guitarrista junto a Dougall, tal como el “Ballad of Darren”, se asienta en el art rock, aunque a mi juicio lo desarrolla mucho mejor. De estado de ánimo oscuro e invernal, el fuerte de “The WAEVE” es su atmósfera, sostenida en las cuerdas del Elysian Quartet, los sintetizadores, el saxo de Coxon y los intercambios vocales entre éste y Dougall. Para muestra, dos botones: ‘Sleepwalking’ y ‘Drowning’ están entre las canciones del año. Larga vida a este proyecto.

44.-RUSH!- Måneskin

Antecedidos por un abrumador éxito y escalada trepidante intensa en cánones de popularidad, la joven banda italiana saca un disco para nada mezquino y siempre acorde al espíritu. Los otrora ganadores de Eurovisión ahora juegan al rol de super estrellas de verdad les queda: siguen siendo completamente imparables en eso. Lo hacen de una forma tierna al mismo tiempo y en vivo han marcado territorio. La grandilocuente colaboración «Gossip» con Tom Morello en la segunda pista cargada de adrenalina los evidencia como los niños eufóricos con juguete nuevo, con un verdadero héroe de la guitarra al lado; en tanto «Gasoline» y sus ritmos punzantes y coros épicos fueron hechos para coro de estadios, En «Kool Kids» puede ser que la banda haya estado escuchando IDLES debido a un guiño más que evidente con las líneas de bajo y estructura. Encontramos variedad, es verdad que las baladas brillan como la mencionada «The Loneliest» o «Timezone» y donde la guitarra de Thomas Raggi cada vez se hace más fuerte y experta; hay un pequeño giro jazz en «Il Dono della vita», pero también ese rap-rock desquiciado de «La Fine» y ambos cantados en un intenso italiano, demuestran sus raíces (y lo bien que suenan en ese idioma sus canciones). Si bien puede que no haya tenido el impacto de su debut, es innegable que la banda sigue la senda y que el rock and roll vistoso y el glamour y la actitud sin tapujos, es lo suyo.

43- Memorial-Soen

La banda sueca de metal progresivo formada por el ex baterista de Opeth, Martin Lopez, ha ganado gran popularidad gracias a la combinación de potencia y melodía que se encuentra en sus pistas, y la última entrega de Soen mantuvo esa línea a nivel estilístico y polifónico, dando por resultado la materialización de un álbum directo, elocuente y de excelente ejecución, todo eso junto a un trabajo de producción que resulta en un material sólido y seguro en el cual bajaron claramente sus revoluciones para entregar algo mucho más dulce y melódico, gran prueba de eso es “Hollowed”, con Joel Ekelöf a dúo en la voz con la artista italiana Elisa Toffoli. Si bien Memorial no ha sido considerada su mejor entrega, este disco no solo es una clara muestra de la evolución y madurez que hay en la destreza técnica que poseen los músicos que componen la banda, también una consolidación de lo que buscan entregar, un sonido directo a través de canciones cortas, algo que posiblemente sea con la idea de llamar la atención de un nuevo tipo de público al alejarse de las composiciones largas y complejas que se encuentran en álbumes anteriores.

42.-The Wretched; The Ruinous-Unearth

 

Unearth, los veteranos del metalcore de Massachusetts, lanzaron este año su octavo álbum de estudio, «The Wretched; The Ruinous» y es quizá uno de sus mejores discos en su carrera, mantiene la mezcla de agresión, melodía y puro poder característico de la banda. Es el primer álbum no grabado en su totalidad por el guitarrista fundador Ken Susi, pero quizá la inyección de nueva sangre haya conducido a este regreso a sus raíces o por lo menos a su obra más celebrada «The Oncoming Storm». Con Unearth se va a la segura: elementos de death metal melódico del tipo escandinavo, groove metal y breakdowns tremendos que han sido el sello de la casa. El arranque del álbum es avasallante, la canción que le da título al disco recuerda por parte los momentos más logrados de Arch Enemy y el desvío hacia un metal más americano pueden provocar el headbanging más atascado. «Cremation of the Living» está lleno de blast beats y un momento poderosísimo a la mitad de la canción. En la segunda parte del álbum hay un poco más de experimentación que se agradece, pero en general Unearth produce metal con su sello ya característico y quizá eso es lo que más deba celebrarse, cuando algo está bien hecho y funciona no siempre es necesario revolucionarlo, sencillamente basta con saber hacerlo bien. Es un álbum que cumple en todos los frentes, ofreciendo una potente mezcla de agresión, melodía y destreza técnica. Ya seas un fanático de toda la vida o nuevo en la banda, este álbum es una visita obligada para cualquier persona que disfrute de su metalcore servido con un lado de furia y delicadeza.

41.-Hackney Diamonds-The Rolling Stones

 

No se puede envejecer con tu música en el rock and roll. Los Rolling Stones son la razón de esa regla. Es mejor morir en el escenario de un infarto o intentando lanzar una patada de tijera que frenar todo y actuar según tu edad. El sencillo principal y la primera canción del nuevo álbum llamado “Angry” prepararon el escenario para que este no fuera un disco de un grupo de viejos sentados alrededor de un micrófono de condensador con guitarras acústicas contando historias. Es el sudor, la saliva, la sangre y el valor lo que siempre ha separado a los Rolling Stones de los impostores, y eso está en todo este disco. Puedes escuchar esto de manera más emblemática en los versos de “Get Close”, incluso si el coro parece demasiado empalagoso para estos chicos. “Mess It Up” te da casi una vibra disco, como si intentaran conseguir reproducción pop en la radio. ¿Y realmente necesitamos escuchar a Mick Jagger, de 80 años, tocar el falsete? Pero en general, es difícil odiar lo que obtienes de Hackney Diamonds. Donde realmente hacen bien la mezcla es en la canción «Depending On You». Aquí es donde inyectan esa pequeña influencia de raíces que hace que el sonido de The Rolling Stones sea perfecto. El mejor momento del nuevo álbum podría llegar durante la segunda mitad de la canción épica de 7 minutos “Sweet Sounds of Heaven” con Lady Gaga como cantante principal y de acompañamiento, y Stevie Wonder al piano. Por suerte para los fans de la banda, aparentemente tienen otra docena de canciones de las sesiones que formarán un segundo disco en algún momento en el futuro. Pero, aun así, Hackney Diamonds se siente como un gran sujetalibros, aunque solo sea un álbum bueno y bien hecho, no excelente, en general, pero de que suena bien si, suena muy bien.

40.-12-Ryuchi Sakamoto

El último álbum de Ryuichi Sakamoto podría interpretarse como el canto de cisne de uno de los artistas más prolíficos en la historia contemporánea de la música en Japón. Y es que, a pocos meses después de su lanzamiento, Sakamoto falleció a la edad de 71 años, dejando como legado una vasta discografía. Desde sus comienzos junto a la Yellow Magic Orchestra, donde aportaron al desarrollo de la música electrónica, hasta su trabajo en solitario, colaborando con diversos artistas e incursionando en bandas sonoras para películas, cada etapa da cuenta de su inquietud creativa y talento como compositor. En “12” podemos apreciar una obra contemplativa, melancólica y relajante, que toma los recursos propios del ambient, donde cada nota se da el tiempo necesario para construir pasajes pausados, donde incluso el silencio forma parte de la composición. También se trata de un álbum cuya personalidad es sumamente íntima, en el que las capas de sintetizadores o el piano minimalista de Sakamoto, se mezclan con la respiración cansada del artista, que logra filtrarse por los micrófonos, mostrándonos a la persona detrás de esta creación, inmortalizándose con sutileza y honestidad, durante el ocaso de sus días.

39.- Midnight Society- The Fog Lake

Con solo 30 años, el prolífico Aaron Powell lanzó sorpresivamente en 2023 su noveno disco, bajo el rótulo de Fog Lake. Deudor de la emotiva tristeza de Elliott Smith o Sparklehorse, “Midnight society” ofrece un fantástico repertorio que circula entre el emo, el bedroom y el dream pop. Canciones que por sí solas se defienden ya muy bien, gracias a una cuidada producción lo-fi suenan cercanas, aletargadas, brumosamente hermosas. Pocas veces el nombre de un proyecto musical estuvo tan bien puesto.

38.-The Love Still Held Me Near- City And Colour

Inspirado en la muerte prematura de un familiar y amigo, The Love Still Held Me Near resuena con el timbre de un músico que ha llegado al punto en el que la incertidumbre sobre el cómo continuar en esta vida, se convierte en algo permanente. Y si bien se dice que la juventud es el mejor momento creativo, hay que reconocer que el paso de los años le ha sentado bien a Dallas Green. Con su voz distintiva y letras que reflejan las complejidades de la vida, Dallas captura momentos de amor, pérdida y esperanza, de manera cautivadora. Su voz brilla en temas como ‘After Disaster’, en el que sus letras dominan sobre algunos de los instrumentos más suaves del álbum. Pero son tracks como ‘Fucked It Up’ y ‘The Water Is Coming’ los que encuentran el equilibrio más notable entre las melodías instrumentales y vocales. Y es dentro de este equilibrio donde se encuentran los mejores elementos de esta producción, a la cual hay que darle varias escuchas para alcanzar a dimensionarlos. Con cada capa, las pistas instrumentales y vocales crean textura dentro de cada track, dándole a The Love Still Held Me Near mucha introspección y emocionalidad cruda; y sin alejarse del sonido tradicional de City and Colour, no hay nada que decepcione a los fans que tanto aman ese sonido diverso, que combina folk, rock e indie, con la siempre alucinante capacidad de City and Color para crear arreglos poderosos, gracias a una instrumentación muy habilidosa.

37.-Terrasite-Cattle Decapitation

Las visiones apocalípticas son un tópico recurrente dentro de la música, sin embargo, son pocas las bandas que lo han desarrollado con la consistencia que lo hace Cattle Decapitation. A través de un death metal que se equilibra entre lo brutal y lo técnico, el conjunto de San Diego se encuentra en un presente sólido, con una trilogía de álbumes bien recibidos por la crítica durante la década pasada. Continuando con esta buena racha, “Terrasite” propone un mensaje directo y sincero, donde se muestra a la humanidad como uno de los mayores parásitos de la tierra, tal como lo ilustra su portada. Con este concepto como punto de partida, la banda acompaña su mensaje con secciones densas y pesadas, donde abundan las voces guturales y los blast beat, aunque también goza de momentos atmosféricos o dramáticos, como el caso de las canciones “Terrasitic Adaptation”, “Scourge of the Offspring” o “Just Another Body”, que cuentan con el acompañamiento de Dis Pater en los teclados. Si bien el death metal es un género que, actualmente, no es necesariamente innovador, Cattle Decapitation cumple con presentar un trabajo de buena factura y una consistente intención de construir relatos. Donde, más allá de lo metafórico, son un ligero reflejo de la realidad.

36-First Two Pages Of Frankenstein-The National

El noveno álbum de estudio de The National, “First Two Pages of Frankenstein”, es un viaje introspectivo y a veces oscuro que explora los temores de la vida adulta. El disco fue producido por la propia banda e incluye apariciones especiales de Sufjan Stevens, Phoebe Bridgers y Taylor Swift. Como se ha señalado en muchas críticas, las letras de The National son conocidas por su franqueza y su exploración de temas oscuros como la depresión, la soledad y la pérdida. En “First Two Pages of Frankenstein”, Matt Berninger continúa en esta línea, abordando temas como el miedo al fracaso, la incertidumbre del futuro y la dificultad de mantener relaciones duraderas. La canción que da título al álbum, “Your Mind Is Not Your Friend”, es un buen ejemplo de la temática del disco. En ella, Berninger canta sobre la lucha contra sus propios pensamientos negativos, que le impiden avanzar en la vida. La canción, que cuenta con la colaboración de Phoebe Bridgers, es un tema de esperanza, que sugiere que es posible superar los obstáculos mentales que nos impiden alcanzar nuestros objetivos. Otros temas recurrentes en el álbum son el miedo al envejecimiento y la pérdida de la juventud. El disco también incluye algunas canciones más rítmicas, como “Grease In Your Hair” y “Tropic Morning News”. En conclusión, el disco es un testimonio de la capacidad de la banda para crear música que sea a la vez bella y conmovedora.

35.-Stone-Baroness

Baroness es una de las bandas más importantes del rock contemporáneo. Con una discografía que abarca más de 15 años, han logrado consolidar un sonido único que combina elementos de metal, rock progresivo, blues y psicodelia. Su más reciente álbum, es un trabajo que rompe con algunas de las características que han definido a la banda en el pasado. Es el primer álbum en el que la alineación se mantiene intacta, el primero que no está nombrado con un color y el primero que, en cierto modo, deja de lado la experimentación. El álbum comienza con «Embers», una intro acústica que da paso a «Last Word», una canción potente y con un solo memorable de Gina Gleason. «Shine» es otra canción destacada, con un estribillo pegadizo y una letra que habla de esperanza. «Beneath the Rose» es un tema más lento y atmosférico, con un sonido que recuerda a los primeros álbumes de la banda. «Choir» es una canción experimental que combina elementos de metal, rock progresivo y ambient. «The Dirge» es un interludio acústico que sirve de puente para «Bloom», el cierre del álbum. Esta canción es una balada melancólica, con una letra que habla de pérdida y nostalgia. A diferencia de los dos álbumes previos de Baroness, «Purple» y «Gold & Grey», la mezcla de sonido está mejor balanceada y esto permite apreciar mejor el trabajo de la banda, especialmente el de la sección rítmica de Nick Jost y Sebastian Thomson. «Stone» es un álbum sólido y consistente que confirma el estatus de Baroness como una de las bandas más importantes del rock contemporáneo. Es un trabajo que agradará a los fans de la banda, pero también puede ser disfrutado por aquellos que están descubriendo su música.

34.-I Inside the Old Year Dying-PJ Harvey

La cantautora encantó este año con “I Inside The Old Year Dying”. A pesar de la discreta publicidad del álbum, lo que logró PJ Harvey este año es notable. Un álbum elogiable por la capacidad de reinversión y creatividad al momento de lograr auras de melancolía pura. El trance logrado a través del canto es portentoso y notable. En esta ocasión la artista británica nos deleita una vez más con su voz tensa e hipnótica. En “Prayer At The Gates” esto evidente. La instrumentación folk y blusera hace palpitar orgánicamente una performance que a ratos es desbordante en la intensidad. La interpretación de PJ Harvey se vuelve fantástica y estremecedora en los momentos de mayor tensión. Lo teatral de la propuesta también se refleja en las letras. PJ Harvey adorna a ratos su propuesta con el uso del dialecto Dorset, lengua que aun preserva algunos exponentes en algunas villas y sectores rurales del oeste británico. Aunque discreto, el uso de este dialecto le da otro carácter a un álbum cuya instrumentación es hasta tribal. Las percusiones orgánicas y el uso amplio de la guitarra acústica hacen imaginar la interpretación de las canciones en un bosque al costado de una fogata, tal como “All Souls”, “Lwonesome Tonight” y la canción homónima del título, por ejemplo. Otro álbum para el atardecer, o bien, para la introspección e intimidad del hogar. Como sea, “I Inside The Old Year Dying” posee una energía mística y poética encantadora.

33.-Darkfighter-Rival Sons

La banda sigue siendo ambiciosa. Les gusta esforzarse e ir más allá de las ideas que ya han explorado, tanto para mejorar la música como hasta en innovar en las carátulas. Pero en Darkfighter se nota que hicieron un esfuerzo adicional al mezclar energía nueva, prístina, con su sonido blues rock, y se siente como la culminación de todos sus álbumes anteriores. ‘Mirrors’, comienza con un hermoso órgano antes de pasar directamente al hard rock. Esto se repite a través de toda la escucha, mostrando una forma única de plasmar sonidos de guitarra no clichés, utilizando los efectos extremadamente bien; ‘Nobody Wants To Die’ es un rock muy veloz, suena con mucha vida; Jay Buchanan se oye poderoso y proporciona toda la columna vertebral que el ritmo necesita. Y qué decir del baterista Mike Miley, es absolutamente bestial; ‘Bird In The Hand’ comienza con un verso al estilo Beatle para seguir a un coro más duro sobre un shuffle b ien heavy, mientras que la dramática ‘Guillotine’ vuelve a cargarse con el sonido y cae en lo acústico, para luego retomar la pesadez. El trabajo de guitarra de Scott Holiday en esta pista y en todo el disco es excepcional. Los Rival Sons van a por todo en Darkfighter y es increíble presenciarlo. Es una evolución y está tan bien hecho que no se puede evitar asociaciones con líneas zeppelianas y hasta de Creedence. Sin embargo, destaquemos que Rival Sons tienen un estilo único, aunque nostálgico, lo cual es garantía de espíritu moderno en guitarras contundentes y líneas de bajo asombrosas.

32.-10.000 Gecs-100 Gecs

Posicionándose como uno de los proyectos más eclécticos de la actualidad, 100 Gecs suena como aire fresco y desafía a aquellos oyentes más ortodoxos. Con una importante dosis de humor, el dúo compuesto por Laura Les y Dylan Brady presenta un sonido difícil de definir, donde se recogen influencias que van desde el hyperpop hasta el pop punk, el rock alternativo o incluso el trap y el ska. Gracias a esta mezcla tan insólita, es que el resultado final es un producto único que se mueve al límite de la parodia, cuya estética es un reflejo de los tiempos actuales, donde prima el exceso de información. Siendo un álbum breve de 10 canciones y que no supera la media hora de duración “10.000 Gecs” llama la atención por su excentricidad y aparentemente improbable capacidad para hacer convivir tópicos tan diferentes dentro de un mismo trabajo, el que pasa del aura noventera de “Hollywood Baby”, al ritmo animado de “Frog on the Floor”, o la reminiscencia al nu metal de “Billy Knows Jamie”. En tiempos donde la creatividad parece ser escasa, 100 Gecs no teme en sonar auténticos, pese a lo extraño que pueda ser su propuesta.

31.-The Ballad of Darren-Blur

Un álbum de regreso tan bueno que solo podemos esperar que no sea el final, el octavo álbum de Damon Albarn y compañía, casualmente, uno de los temas melancólicos del álbum parece ser la amistad y el paso del tiempo. The Ballad of Darren es fácilmente el álbum más adulto de Blur, despojado de las caricaturas de Parklife y The Great Escape. También es su mejor y más emotiva oferta desde 13, en 1999.
De manera similar, The Narcissist parece ser un reflejo tanto de la vida moderna como de la dramática carrera de la banda, ya que es difícil no pensar en el propio coqueteo de Albarn con la heroína cuando menciona la adicción. La canción presenta un magnífico dueto de llamada y respuesta con Graham Coxon. Es un reconocimiento de que Blur es un poco mayor y más sabio. «Pero esta vez no me caeré con Godspeed, prestaré atención a las señales», canta Albarn. A pesar de todas estas perturbaciones, esta lucha con las cosas difíciles de la vida y la muerte, hay una tranquilidad encantadora y elegante en el álbum. Este no es el sonido de una banda que intenta reaccionar contra su pasado, o desafiar a su audiencia de pop británico con ruido estadounidense, o justificar su existencia; es Blur simplemente mostrando lo que hacen mejor. Mientras Albarn canta en The Heights, dan mucho corazón; históricamente no siempre es su punto más fuerte, pero abunda aquí. No hay duda de que están pasando por algo, pero si hay alegría en The Ballad Of Darren, es que Blur, una vez más, está pasando por esto juntos.

30.-Every Sound Has A Color In The Valley Of Night: Part 1-Nightverses

Aric Improta y compañía llevan ya varios años de circo demostrando que la salida de su vocalista no fue impedimento alguno para seguir realizando música de calidad y sencilla de asimilar. Siete canciones relativamente breves pero intensas son las que componen el cuarto lanzamiento del grupo, cuya segunda parte será publicada durante el 2024. El trío de músicos derrocha texturas y colores durante los cortes, teniendo el último tema el apoyo del histórico bajista de Tool Justin Chancellor, dándole un relevante sello dentro de lo mejor de rock instrumental del 2023. El bajista Reilly Herrera y el guitarrista Nick DePirro se consolidan como una dupla enérgica y con una química envidiable, la que queda más que manifiesta en los live sessions publicados para complementar la promoción del disco. Los roles de ambos instrumentos de cuerda quedan bien delineados sobresaliendo también por la integración de efectos y texturas poco habituales en la línea editorial convencional de cada uno, dejando claro que el potencial de cada instrumento aún está lejos de haber terminado su cabal exploración.

29-«Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd»-Lana Del Rey

La estrella del pop melancólico se luce cuando juega con la parte más dulce y oscura al mismo tiempo. Su nuevo disco no viene más que a reconfirmarlo y se transforma con solo un par de escuchas en una de sus piezas más prolijas y mejor cuidadas. Una especie de nuevo tesoro. “The Grants”, que abre con coros gospel y te recibe con un gran abrazo en este noveno álbum de estudio, donde nos dice con su voz aterciopelada viendo todo de una forma omnipresente:  “Mi pastor me dijo que cuando te vas, todo lo que te llevas es tu memoria”, dice el coro, “Y me llevaré lo mío contigo”. Porque sí, en cualquier lazo que involucramos en nuestras vidas recogemos pedacitos de otras y otros. Esa metáfora es tan sobrecogedora como cierta y cómo lo transmite la canción sí que conmueve, porque sirve como un sentido tributo a su familia y parientes fallecidos, yhabla de llevar los recuerdos de sus seres queridos con ella al más allá. Es solo el comienzo y ya es estremecedor.  El viaje cuenta con coqueteos electrónicos y una brutal cantidad de estrofas en que se revela como una «Puta Americana» (American Whore, A&W) moderna, distorsionada y asumida y todo lo que la experiencia de ello implica. Alcanza un ribete casi cósmico en su dueto con Father John Misty, donde podemos dar cuenta que la verdad ambos tienen mucho en común, incluso en el uso del tono melancólico extendido. Pero FJM no está para robar protagonismo, sino más bienpara hacerla lucir mejor en «Let The Light». Lo propio pasa con Bleachers, la banda de Nueva Jersey acompaña en otro corte muy profundo llamado «Margaret», que también apela al spoken word;  o los pianos abrumadores que dan el arranque y están con una fragilidad latente en «Paris, Texas» junto a SYML. Lana no solo está en gran momento como compositora, sino que se ha transformado en una gran contadora de historias posmoderna, hablando de sus propios sentimientos y de las personas que la acompañan, de su propia familia, abordando cuestionamientos sobre los pasos importantes que damos en nuestras vidas en este ínfimo paso que nos toca por la tierra, de la adicción al sexo, la soledad e incluso contemplar el suicidio, además de la muerte e infelicidad. LDR ha vuelto fuerte, intensa y más inspirada que nunca. 

28.-Let The Truth Speak-Earthside

Posterior a un hiato de 8 años desde la publicación de su disco debut el 2015, el grupo norteamericano vuelve con su propuesta más ambiciosa a la fecha. Con aires cinematográficos y una compleja línea de producción con invitados de lujo – como Daniel Topkins de Tesseract, y la recientemente descubierta vocalista Keturah de The Heavy Medicine Band – Earthside deleita a sus oyentes con un disco multifacético apoyado de elaboradas propuestas visuales. Seis de las diez canciones que componen el álbum cuentan con más de ocho minutos de duración, teniendo una continuidad tal que transmiten lo más propio de las experiencias filmográficas: una experiencia que invita a implicarse con total atención al oyente en todos sus sentidos. La última canción del disco “All We Knew and Ever Loved” – quien tiene como invitado al baterista Baard Kolstad de Leprous – fue la primera en ser lanzada como adelanto al público el año 2021, y desde entonces ha generado elogios de la crítica quienes llegaron a galardonarla con el premio al mejor videoclip por el United Artist International Film Festival .

27.-Periphery V: Djent Is Not a Genre-Periphery

La séptima entrega de los norteamericanos volvió a sorprender con una propuesta de sonido innovador e interesante. El disco producido por ellos mismos posiblemente sea el más ambicioso hasta la fecha. Con pistas que superan los seis minutos, a excepción de “Silhouette”, Djent: Is Not a Genre es todo un viaje experimental en el cual el trío de guitarras, bajo, batería y voz crean una amalgama de emociones que otorgan momentos de adrenalina y otros de calma dentro de la potencia y furia que se escucha. La calma es gracias a los pasajes jazzeros, electrónicos y orquestales que aparecen a lo largo del disco. Si bien este álbum puede parecer algo repetitivo en su sonido, está lleno de melodrama, conmoción, espacios conmovedores, dulces y entretenidos dentro de esos ritmos poderosos y desgarradores, lo que lo convierte en toda una maravilla de oír, y, por supuesto consecuente con el título del disco; Periphery deja en claro que el djent no es un género, pero quizás ellos sí sean uno nuevo.

26.-Holocene-The Ocean

The Ocean, un grupo con más de 20 años de carrera ha ido labrando un nicho único, tejiendo composiciones intrincadas equilibrando constantemente la atmósfera cautivadora con una abrasividad sonora. Su última oferta, «Holocene», continuando con las narrativas que abarcan las eras geológicas de la Tierra, se adentra en la época actual, un mero parpadeo en el tiempo geológico pero repleto de ansiedades modernas. En palabras de su líder, Robin Staps, «todos los temas están relacionados y pueden resumirse bajo la idea de que las redes sociales, como fuente principal de noticias y formación de opinión, fomentan la alienación general, la segregación y la pérdida del pensamiento crítico, debido a la poca atención que se presta a los textos, discursos y razonamientos lógicos, y al énfasis en imágenes impactantes.». Musicalmente, «Holocene» conserva la paleta sonora establecida a lo largo de su carrera, canciones de corte progresivo y momentos de franca brutalidad, sin embargo, hay un nuevo énfasis en elementos electrónicos que añade una nueva capa de intriga, especialmente en las primeras pistas «Preboreal» y «Boreal», donde los sintetizadores pulsantes crean una ambientación inquietante e introspectiva. Bien seas un fanático de toda la vida del proyecto o un recién llegado a su odisea de metal progresivo, «Holocene» es un viaje gratificante, que ofrece una poderosa mezcla de destreza técnica y reflexión conmovedora sobre la experiencia humana ante los profundos cambios sociales.

Segunda parte: los 50 mejores discos del año, del 25 al 1