25.-Luck and Strange-David Gilmour

David Gilmour regresó a los estudios de grabación tras nueve años de ausencia y forjó Luck and Strange que ha sido descrito por el propio Gilmour como su mejor álbum desde The Dark Side of the Moon, y probablemente no se haya equivocado, no hay duda alguna de que la quinta entrega del legendario guitarrista se ha ganado el puesto como una de sus mejores creaciones. Nuevamente, colaboró en las letras con su fiel compañera de vida, Polly Samson, que en esta ocasión fueron reflexiones sobre la mortalidad y la aceptación de la vejez con el paso del tiempo. Es un trabajo creativo claramente personal, nostálgico e introspectivo, en él podemos encontrar un nuevo homenaje a Richard Wright, difunto tecladista de Pink Floyd con quien mantuvo una cercana amistad a lo largo de los años. Un par de duetos con su hija, Romany Gilmour -uno de ellos originado durante la pandemia y compartido en aquella época por el canal de Youtube de Gilmour-. La producción y mezcla del disco es impecable, y ha permitido que cada instrumento brille a lo largo del álbum. Aunque Gilmour se mantuvo fiel a su distintivo sonido atmosférico, Luck and Strange es una exploración de nuevas texturas que fusiona diferentes elementos y estilos musicales

24.-Mid Spiral-BADBADNOTGOOD

Esta banda canadiense se gestó con la intención de darle un vuelco al jazz tradicional y duro de digerir. Badbadnotgood apunta a un jazz de fiesta, mucho más dinámico y entregado al hedonismo. Este es otro álbum que siendo gestado en una cultura anglosajona supo respetar y darle cabida a motivos y melodías latinas. Motivos que solo le suman potencia y consistencia a un álbum que refleja el buen estado actual de esta banda. Quizás la agrupación que más esté dando que hablar actualmente desde la vereda del jazz. Algo digno de destacar por la audacia y maleabilidad que demuestran los canadienses a la hora de hacer música. Se respira como lo concreto de sus ideas fueron llevadas a buen puerto gracias a melodías y arreglos precisos, muy elegantes en su ejecución, tal como especias que sazonan un buen plato de comida. Ejemplo de ello es “Take With You”, “Weird & Wonderful” o “Juan’s World”; piezas donde las capas sonoras son muy diversas pero capaces de convivir en una misma canción. Tarea difícil de lograr y que solo se materializan con buen gusto y una dedicación profesional. Mucho groove y percusiones con mucho sabor y actitud. La versatilidad de acentos de las congas se complementa a la perfección con la batería, instrumento siempre llamado a destacar en un género tan seductor como lo es el jazz.
Aquello convive con la presencia de un saxo y piano desenfrenados y siderales que son capaces de llenan los espacios para envolver la propuesta. Lo mismo ocurre con la guitarra eléctrica, instrumento que en esta placa tiene algo más de protagonismo tal como en “Last Laugh” donde aquella melodía pegajosa que huele a rock más que a otra cosa se transforma en el motivo principal de canción. También sorprende aquel teclado setentero que se roba la atención en “Audacia”, por ejemplo. Una banda que actualmente está tomando la posta del jazz contemporáneo, entregando nuevos límites y posibilidades de hacia dónde podría dirigirse el género para así innovar y no inmolarse con el tiempo. Un álbum que por sus características no apunta al mainstream, para nada, pero si consigue cautivar con canciones trepidantes y de armonías seductoras.

23.-Wall Of Eyes-The Smile

The Smile —el proyecto formado por Thom Yorke, Jonny Greenwood y Tom Skinner— da un paso más allá de los límites del rock convencional con «Wall of Eyes», entregando un álbum que destaca por su ambición musical y su calidad artística. Este trabajo, grabado en los icónicos estudios Abbey Road y Oxford, se presenta como una evolución respecto a su debut «A Light for Attracting Attention» (2022), incorporando elementos como arreglos de cuerdas a cargo de la London Contemporary Orchestra y una producción impecable liderada por Sam Petts-Davies. El disco abre con su tema homónimo, donde reminiscencias al sonido minimalista de Radiohead se encuentran con una frescura propia, explorando texturas y ritmos que capturan al oyente. Temas como «Teleharmonic» destacan por su creatividad al fusionar beats orgánicos y vientos exuberantes, mientras que «Read the Room» navega entre la tensión y la liberación, creando un viaje emocional cargado de disonancias y momentos de introspección. La influencia del krautrock y del avant-garde musical es evidente a lo largo de las ocho canciones del álbum, donde cada pista se siente como una experiencia autónoma pero conectada al mismo tiempo. Canciones como «Under Our Pillows» evocan la energía percusiva y experimental de bandas como Can, mientras que las piezas más introspectivas del álbum recuerdan la maestría de Yorke y Greenwood en el uso del piano y los teclados, reminiscentes de clásicos como «Pyramid Song». El resultado final es un trabajo profundamente humano y comunicativo, como explicó Yorke durante una presentación especial: <i>»Hacer música es compartir algo con otros seres humanos, una forma de comunicación»</i>. «Wall of Eyes» no solo confirma la capacidad de The Smile para reinventarse, sino que se posiciona como un ejemplo perfecto de cómo la música puede ser una exploración sin límites, creada por artistas que buscan expandir horizontes más allá de lo convencional​.

22.-TANGK-IDLES

TANGK, el nuevo álbum de IDLES, marca un paso audaz en la evolución artística de la banda, consolidándose como una de las propuestas más vanguardistas de la escena post-punk actual. A lo largo de 11 pistas, el disco no solo rinde homenaje a sus raíces punk, sino que las redefine al incorporar elementos experimentales que incluyen influencias electrónicas y arreglos complejos, un cambio notable respecto a sus trabajos anteriores. Desde el arranque con «IDEA 01», el álbum establece una atmósfera tensa y cautivadora que invita al oyente a sumergirse en un recorrido sonoro impredecible. Canciones como «Gift Horse» y «Hall &amp; Oates» destacan por su energía visceral, mientras que «POP POP POP» rompe esquemas al incluir texturas electrónicas que evocan la intensidad de bandas como The Prodigy. Uno de los momentos más destacados llega con la colaboración junto a LCD Soundsystem en «Dancer», una explosión de ritmos contundentes y un groove contagioso que resulta imposible ignorar. El álbum no teme explorar contrastes. «A Gospel» se aparta de la abrasividad para ofrecer una balada íntima, construida con piano y cuerdas, que revela una faceta más emotiva y melódica de la banda. Por su parte, el cierre con «Monolith» es impactante: una pieza densa y oscura que culmina con un saxofón melancólico que se desvanece lentamente, dejando al oyente con una sensación de clausura y reflexión profunda. En el ámbito lírico, Joe Talbot navega entre la resiliencia, el amor y la esperanza, con un enfoque que combina crudeza emocional y poesía introspectiva. Sus letras ofrecen momentos de conexión genuina y catarsis, intensificando la experiencia del álbum. Esta fusión de exploración musical y profundidad narrativa reafirma el crecimiento de la banda, desafiando las expectativas y ampliando los horizontes de su propuesta. Con TANGK, IDLES no solo se reinventa, sino que también invita a su audiencia a abrazar tanto la vulnerabilidad como la intensidad.

21.-Charismatic Leaders-Wheel

La banda finlandesa ‘Wheel’ en su tercer álbum de estudio ‘Charismatic Leaders’, publicado el 3 de mayo de 2024, nos entregó una sólida –y consolidada— propuesta que ensambla dinámica, técnica, armonías atmosféricas e introspectivas, claves de stoner metal y complejos –progresivos– cambios rítmicos con riffs poderosos. Se les ha comparado y mencionado discípulos de Tool, –y la canción «Disciple» cae como un perfecto e hipotético guiño (casi) directo a ese statement–, pero en realidad son mucho más que eso. En todo ámbito, como lo haría Tool –o Karnivool y Soen—, esta intersección de colores oscuros, pinceladas y brochazos fuertes a la que el cuarteto nos transporta, emana el aspecto más emocional y profundo del ser, cuyo diálogo entre la instrumentación y las melodías vocales a cargo de quien canta, por cierto, abrazan con enorme intensidad a quien oye la música. Wheel está conformada por James Lascelles en las voces y guitarra rítmica, Jussi Turunen en la guitarra líder, Mikko Määttä en el bajo y Santeri Saksala en la batería, quienes como colectivo, aunque parezca una declaración predeterminada, están en su mejor momento. Este nuevo álbum consta de 7 canciones y los previos adelantos –en la actualidad posibles momentos destacados de la placa— «Empire», «Porcelain» y «Disciple» son la representación mejor cohesionada a propósito de la contraposición en la narrativa delicada pero compleja, o el balance entre lo sofisticado y accesible, por la que la banda es reconocida como auténtica (después de todo)… y claro, no solo considerando ‘Charismatic Leaders’ sino que también sus dos LPs previos ‘Moving Backwards’ (2019) y ‘Resident Human’ (2021).

20.-You Won’t Go Before You’re Supposed To-Knocked Loose

En términos de masividad, el metalcore está atravesando por un periodo de franca prosperidad. Son cada vez más los proyectos que, pese a la brutalidad de su sonido, logran convocar y captar la atención de nuevas audiencias. Knocked Loose es uno de estos nombres y “You Won’t Go Before You’re Supposed To” no hace más que incrementar su reputación. Se trata del tercer disco de la banda, donde la intensidad es la columna vertebral de todas las canciones. En menos de 30 minutos, el conjunto de Louisville da gala de una fórmula cada vez más refinada, con guitarras colmadas de agresividad, baterías que golpean con fuerza y la voz desquiciada de Bryan Garris, que pareciera estar al borde de destrozarse luego de cada grito. Mención aparte merece el trabajo del bajista Kevin Otten, quien suena realmente demoledor y otorga gran parte del ímpetu que reina en el álbum. Las colaboraciones son otro aspecto memorable, siendo “Suffocate” un clásico inmediato, gracias al apoyo vocal de Poppy y un breakdown totalmente pegadizo y novedoso, con un guiño rítmico que se viralizó por su similitud con el patrón clásico del reggaetón. Knocked Loose atraviesa por un periodo de pleno crecimiento artístico y nos demuestra que la música extrema también puede ser popular.

19.-From Zero-Linkin Park

La sorpresa y uno de los regresos del año: La gran duda era: ¿Quién tomaría «el lugar» de Chester y si estaría a la altura? Los primeros versos de «The Emptiness Machine» son de verdad emocionantes, más aún cuando Shinoda le da el «pase» a Emily Armstrong en que ya vamos como entendiendo el todo de inmediato de su elección. «Heavy Is The Crown» hace que Emily suene perfecta con su rasposa voz que también sabe ser dulce y fina cuando quiere, acá para rememorar maravillas como «Faint», mientras que el glorioso pop-rock de estadio de «Over Each Other» golpea como estos grandilocuentes himnos con que Biffy Clyro azota en cada uno de sus shows. Linkin Park tiene la mirada en su legado, como primera capa, pero no deja de observar lo que pasa actualmente y la cantante a pocos meses ya está convertida en un verdadero nuevo icono. Con tres sencillos seguros y de peso pesado este disco llegó respaldado por un gran espíritu, pero que aún así puede sonar algo irregular como «Cut The Bridge» o el corte de pop etéreo y oscuro «Overflow», que parece un remanente del débil «One More Light» de 2017. El gran error eso sí es tildar este lanzamiento como un disco en que simplemente se quiso reemplazar a un cantante demasiado importante e «irreemplazable». From Zero es un restart de la banda, que promete cosas a futuro, que ya ha demostrado que en vivo nuevamente funcionan como los reyes que fueron con variantes y novedades. Por lo tanto, cualquier comparación inevitable con su discografía, en gran medida magistral, debe tener en cuenta el lugar desde el que nació «From Zero»: un deseo natural y orgánico de Brad Delson, Dave Farrell, Joe Hahn y Shinoda de crear juntos como Linkin Park una vez más. La corona pesa, pero vaya que les vuelve a quedar y Emily Armstrong era la nueva reina adecuada para concretarlo.

18.-Charcoal Grace-Caligula’s Horse

Desde Brisbane, Australia, Caligula’s Horse ha forjado una sólida trayectoria en el metal progresivo moderno, posicionándose como un referente del género. Conformado por Sam Vallen (guitarra), Jim Grey (voz), Dale Prinsse (bajo) y Josh Griffin (batería), el cuarteto alcanza en Charcoal Grace la culminación de su desarrollo artístico. Aunque no sea necesariamente el punto más alto de su carrera, este álbum reafirma su capacidad para combinar profundidad emocional con excelencia técnica, consolidándose como una fuerza indispensable dentro de la escena progresiva actual. El corazón de este trabajo es su suite homónima, una pieza en cuatro movimientos que extiende sus 24 minutos para narrar los ciclos de abuso y perdón entre un padre y su hijo, la música que acompaña esta narrativa poderosa y desgarradora es de gran una riqueza sonora que viaja desde paisajes acústicos introspectivos hasta agresivas secciones. Los australianos entregan con este álbum una obra que impacta a nivel técnico y emocional, confirmando que son maestros en capturar la esencia de la evolución humana a través de sus letras y música introspectiva y visceral.

17.-All Born Screaming-St. Vincent

El séptimo álbum de estudio de la artista estadounidense puede catalogarse como un álbum de corte íntimo que demuestra la habilidad pulida y sofisticada que ha logrado con el tiempo en términos compositivos y líricos. Un álbum de rock que se nutre del pop y del indie sin asco alguno, pero lo hace de una manera balanceada donde los arreglos no son desbordantes en absoluto, todo lo contrario. Cada detalle armónico y melódico es usado en su justa medida. La cantautora escribió, compuso y produjo este álbum, por lo que toda la dirección artística estuvo bajo su mirada, dato no menor, ya que es la primera placa producida por ella misma. Dicha responsabilidad fue manejada con galanura. La sobriedad y elegancia de temas como “Violent Times”, “Hell Is Near” reflejan un estado de madurez y perspicacia en una artista que ha estado acostumbrada a caracterizarse, pero que en esta ocasión vuelca su mirada hacia ella misma y apuntala obras que se sienten íntimas, oscuras, ratos eróticas y de una dedicación religiosa para que cada pieza encaje en su lugar. Un tratamiento cuidadoso que dio por resultado un álbum balanceado que sabe cuándo atacar y sentirse agresivo, pero que también se desplaza hacia melodías más contemplativas, arreglos experimentales e ideales para ambientes de paz y relajo. La canción “Flea”, donde colabora Dave Grohl en batería, y la etérea “The Power’s Out” son ejemplos que demuestran este punto de equilibrio en un álbum que refleja el estado de inspiración plena experimentado por Anne Clark y que al mismo tiempo se siente muy inspirador para el oyente. St. Vincent no dejó de lado la experimentación hacia otro tipo de sonidos. Muestra de ello es la existancia de “Sweetest Fruit”; la la canción más diferente respecto de los demás cortes. Su sola existencia demuestra aquella libertad creativa con la que St. Vincent convivió en la gestación de esta obra. Un álbum que se siente equilibrado y con pocos baches en su recorrido.

16.-Cancionero de los Cielos-Viva Belgrado

Tras los lanzamientos de dos Ep’s que expandían el sonido post-hardcore de base de los españoles hacia la experimentación, publicados en tiempos de pandemia, llegó por fin «Cancionero de los Cielos», un largaduración que se transformó en clásico instantáneo para los de Córdoba, y en donde se consagra su nueva formación estable. Canciones al grano con su estructura compositiva clave, con guitarras pesadas y una voz desgarradora, se sumaron a sonidos más electrónicos y hasta pausados, dejando espacio además a momentos acústicos (que han podido apreciarse en trabajos anteriores). El disco es una seguidilla de canciones muy bien pensadas y eso se refleja en cómo su público corea cada track en sus conciertos (reacción que pudimos presenciar en su presentación debut hace unos meses en nuestro país, bajo el marco del festival Un Último Deseo, donde fueron cabezas de cartel). Una espera de años que valió la pena para los distintos fanáticos que ha acumulado la agrupación alrededor del mundo, y una obra de la que la banda se ha mostrado orgullosa en diferentes entrevistas desde su publicación. Además, no es menor el hecho que “Cancionero de los Cielos” es el primer trabajo que la banda lanza por su propio sello autogestionado Fueled by Salmorejo, que además tiene gran incidencia en cómo los españoles mantienen una ética de trabajo acorde a sus principios. Canciones como «Chéjov y las Gaviotas», «Elena Observando la Osa Mayor» o «Jupiter and Beyond the Infinite» son prueba de la amplia paleta sonora de este disco, donde pueden apreciarse sus diversas virtudes en momentos de intensidad, calma, rabia e intimidad. Sin duda, un trabajo que sella aún más el carácter de «banda de culto» contemporánea que ya habían logrado antes con «Bellavista» en 2020, y que deja la puerta abierta a nuevas posibilidades creativas para su futuro, que promete seguir bajo un camino fructífero.

15.-Absolute Elsewhere-Blood Incantation

Un viaje alucinante por los rincones más remotos del espacio. Pese a lo fantástico que pueda sonar, no hay mejor manera de describir el sobresaliente trabajo detrás de “Absolute Elsewhere”. Y es que este álbum llama la atención por su increíble capacidad para combinar influencias, producto de un extenso recorrido que ha desarrollado la banda. En este trabajo, Blood Incantation toma la brutalidad del death metal como cimientos sonoros, pero también incorpora elementos del rock progresivo y recursos de la música electrónica. Los primeros acercamientos hacia los sintetizadores se dieron en “Timewave Zero” (2022), un álbum netamente instrumental que rinde tributo al space ambient y a la escuela de Berlín. Tomando en cuenta este antecedente, “Absolute Elsewhere” es un choque entre géneros que se fusionan con total fluidez. El disco está compuesto por “The Stargate” y “The Message”, dos canciones monolíticas, cada una dividida en tres partes. A lo largo de esta obra, aparecen secciones espaciales que recuerdan a los mejores años de Pink Floyd, mezclándose con voces guturales, melodías disonantes y relatos de ciencia ficción. “Absolute Elsewhere” es posiblemente uno de los álbumes de metal más sólidos del último tiempo, con una fórmula que, pese a sus influencias, se materializa en un producto original, único y creativo.

14.-Brat-Charli XCX

Desde su primer mixtape publicado en MySpace el 2008 con tan sólo 14 años de edad –en el que por cierto se hizo cargo de toda la producción e interpretación de lo que se oye ahí mientras se inspiraba en el electro-dance y variantes–, Charlotte Aitchison, más conocida como Charli xcx, ha tenido un paulatino ascenso y reconocimiento en la música en el transcurso de los años, sin embargo, fue su quinta placa de estudio Crash (2022) la que tuvo rebosante éxito y la posicionó realmente en el mapa de la mano de su propia evolución hacia una dirección más popera. Pero asimismo, ser una estrella de pop –como se pretende que sea– es lo que realmente quería?. Había que mandar todo a la mierda y volver a nacer porque hasta ese entonces, la llama no estaba del todo encendida. Es aquí donde aparece BRAT asumiendo esa reinvención y reconexión con aquel pasado en la música electrónica y de clubs donde su corazón yace, además de permitirse trabajar de la forma que le diera la gana como siempre había deseado. BRAT fue publicado el 7 de junio de este año y se estableció colectivamente como un álbum de club, pero en todo ámbito resultó ser mucho más que su propio límite. BRAT se transformó en la definición de un género musical, de un statement, un fenómeno, una moda, un color. «360», «Club classics», «Talk Talk», «Von dutch» y «Sympathy is A Knife» son su epítome y muestran una innovadora fusión de techno, electrónica, pop, dance-pop, arreglos industriales y un poco de dark wave y trap como nunca antes se había planteado. El álbum remix bajo el nombre ‘Brat and it’s completely different but also still brat’ que Charli hizo y publicó meses más tarde con la colaboración de una amplia gama de artistas no pudo evitar reiterar en el fenómeno que es BRAT, imponiendo a la artista, además, como un pilar en el futuro de la innovación en la música.

13.-What Happened To The Heart?-AURORA

El quinto álbum de estudio de la ninfa noruega desborda emociones intensas y desbordantes. La dulzura y profundidad vocal de Aurora no ha hecho más que mejorar con el paso del tiempo. Un álbum que pone en jaque y critica la indiferencia y violencia de nuestro tiempo a nivel global. A través de sus canciones Aurora nos interpela respecto de nuestros vicios como especie en directa relación con el planeta que habitamos. Una perspectiva que no es inquisidora, más bien es un lamento y llamada de atención. Un álbum catártico que a ratos desborda pasión e intimidad, sobre todo en los coros y poderosos juegos de voces. Este último punto es notable puesto que en este álbum hay mucha más audacia en las voces y coros. Hay una gran diversidad de capas vocales donde las armonías están lejos de ser estáticas o predecibles. Temas como “Earthly Delight”, “Dreams”, “Starvation” y “To Be Alright” magnifican el poder emotivo que una voz puede generar en el oyente. Hay un lamento y dolor muy sentido que se palpa perfectamente en la voz de Aurora junto a Kristina Skyberg y Amalie Holt, las coristas que la secundan. Objetivo cumplido; la música no trasciende si no es capaz de generar pasiones y emociones genuinas.
“Your Blood” es un hit que sonó fuerte durante el año. Una letra y unas primeras estrofas de mucho peso emocional y armonías lúgubres que transicionan a un coro bailable y enérgico. Un tema que condensa muy bien la propuesta del álbum.Aurora está viviendo uno de los puntos más altos de su carrera tanto a nivel musical con este álbum, pero también a nivel artístico como conjunto. La cantante se ha mostrado mucho más abierta y directa en decir y transmitir lo que piensa. Un álbum que refleja la madurez emocional y musical de Aurora. La vara queda alta hacia el futuro, pero lo concreto es que “What Happened To The Heart?” se posiciona dentro de lo más destacado del año gracias a su sinceridad, coherencia y poderío musical.

12.-The New Sound-Geordie Greep

Un álbum vibrante y desconcertante. La nueva etapa de Geordrie Greep como solista profundiza esa línea experimental de Black Midi; pero ahora los matices son mucho más propios y es notable la soltura con la Greep maneja su propuesta. El uso audaz de bronces, congas y percusiones varias, piano y guitarra acústica son ingredientes que moldean a este álbum que se posiciona en la cornisa de la vanguardia y que tiene todas las características para mantenerse en el tiempo como una joya del rock fusión y jazzero. Una elección imperdible para quienes busquen un sonido atrevido que juega con el jazz, la fusión, el progresivo e incluso el tango. También hay guiños directos a la música latina como la salsa o ritmos brasileños, sobre todo en lo que respecta al uso intrépido de las percusiones y teclados. Desde lo musical el álbum es vertiginoso y desde lo lírico también. Mucho humor negro, surrealismo e ironías es lo que maneja Geordie en su repertorio donde las emociones son variadas; desde el más intenso éxtasis hasta el hartazgo más crudo y amargo. Pero no todo es carnaval. Geordie Greep también se toma un respiro y baja las revoluciones con piezas como “The Magician” y la contagiosa “Terra” con sus arreglos latinos en percusiones y el piano. Un álbum teatral que puede resultar abrumador si el oyente no frecuenta mucha música experimental, pero la experiencia es vibrante, te asombra y no te suelta. Geordie Greep se ve posicionado en un lugar mucho más libre y de exploración artística. Se le nota mucho más suelto y con ganas de expandir su universo musical sin muchos miramientos a las expectativas del público. En esta pasada le funcionó y bastante bien para el agrado de los fans. De arreglos y transiciones impredecibles “The New Sound” destaca dentro del año solo por ser atrevido de principio a fin.

11.-She Reaches Out To She Reaches Out To She-Chelsea Wolfe

Chelsea Wolfe nuevamente nos demuestra que es una prodigiosa creadora de arte oscuro. A lo largo de su carrera, la artista ha explorado diversos géneros que abordan este concepto, transicionando de un sonido gótico clásico hacia álbumes que se alojan en el doom, el folk o el sludge. En esta ocasión, logra plasmar una obra cuyo énfasis está en los sintetizadores y los recursos electrónicos. “She Reaches Out to She Reaches Out to She” es un título cacofónico, que refleja muy bien la intención envolvente e hipnótica de la autora, donde abundan los sonidos mecánicos y cavernarios cercanos al industrial. “Whispers in the Echo Chamber” atraviesa un relato introspectivo acompañado de un ritmo lento y aplastante; “House of Self-Undoing” nos presenta una base rítmica bailable, con guiños al breakbeat, mientras que “Tunnel Lights” adopta un carácter pausado con acercamientos al trip hop. Estas tres aristas se van presentando en distintas proporciones a lo largo de un álbum, que pese a seguir una misma línea marcada por lo sombrío, resalta por su variedad y detalles en cada composición. En un reflejo de su madurez artística, Chelsea Wolfe se consolida como una figura capaz de reinventarse y deslumbrar.

10.-HIT ME HARD AND SOFT-Billie Eilish

Tras tres años de su antecesor ‘Happier Than Ever’, Billie Eilish –junto a su hermano Finneas– lanzó en mayo de este año su tercer álbum de estudio: ‘Hit Me Hard and Soft’. Billie tiene esa magia de que lo que sea que haga es extremadamente bien recibido y este trabajo no es la excepción, tanto así que para la próxima ceremonia de los GRAMMYs el mismo –y sus canciones– está nominado a siete premios, entre ellos “Álbum del año”. Con tracks como «Lunch», «Birds of A Feather» y «The Greatest» Billie y Finneas (quién co-escribe y produce la música) se embarcaron en su propuesta habitual de pop alternativo que combina distintos otros matices, pero para esta ocasión algunas cosas del proceso y ejecución cambiaron. Mientras que usualmente es Finneas quien se muestra motivado e incentiva a su hermana a entrar de lleno a grabar un nuevo disco y aquí, a pesar de que de hecho ambos pasaron por momentos de bloqueo artístico, fue Billie quien se mostró con mayor iniciativa y eso la llevó a incluso producir algunas canciones o segmentos de ellas, el LP de todas formas tiene una atmósfera mucho más orgánica que las anteriores. Los elementos de música electrónica o producidos por el uso de sintetizadores prevalecen incluso más sólidos que antes –donde sus influencias de bandas como Air salen a la luz–, pero la batería, el bajo y el piano se dan a conocer de una manera más real, la guitarra acústica es más protagonista y los arreglos de instrumentos de cuerdas están más presentes, traduciéndose en una propuesta con cada vez más matices de soft-rock y folk que luego han estado potenciándose en la posterior promoción y tour por primera vez con una formación de músicos completa: Billie Eilish en las voces, Finneas O’Connell en la guitarra, Andrew Marshall en la batería, Solo Smith en el bajo y Abe Nouri en el piano. «Birds of A Feather» resultó ser el mayor éxito de la placa y como cree la misma Billie, quizás sea porque es la primera en todo su catálogo que tiene una vibra alegre y muestra a una artista (posiblemente) enamorada. –“Te amaré hasta el día que muera”—

9.-Les Chants de l’Aurore-Alcest

«Les Chants de l’Aurore» sigue mostrando la magistral mezcla de shoegaze y post-black metal de Neige en mundo etéreo, inclinándose hacia paisajes sonoros más luminosos y serenos. Descrito como su álbum «más ligero» desde «Shelter», el disco equilibra guitarras brillantes, matices melancólicos y una calidez que, en ciertos momentos, deja espacio para que los guturales clásicos del francés vuelvan a aparecer. Tracks cono «Komorebi «, fusionan a la perfección melodías atmosféricas, sintetizadores y blast beats, que sirve como puente hacia el ensoñador mundo sonoro de la banda. Otras, como «Améthyste», aportan una energía dinámica con fuertes contrastes entre las voces ennegrecidas y los instrumentos. Se pueden sentir un equilibrio y un escenario bien trabajado, donde la producción en capas e interludios como «Réminiscence» permiten que el disco fluya a la perfección. Este álbum destaca por sus reflexivas composiciones y su delicada dinámica, reafirmando el papel de Alcest como uno de los proyectos que no teme a seguir explorando, ni expandir su sonido hacia nuevos lugares.

8.-Lives Outgrown-Beth Gibbons

Beth Gibbons, la inconfundible voz de Portishead, regresa con «Lives Outgrown», su primer álbum en solitario desde «Out of Season» (2003). Este trabajo marca un giro estilístico, alejándose de las atmósferas electrónicas de su banda principal para sumergirse en un universo dominado por el folk, texturas acústicas, y pasajes experimentales que capturan un espectro emocional amplio y profundo. El álbum abre con «Tell Me Who You Are Today», un tema que establece el tono con delicados arreglos de cuerdas y guitarra, mientras la voz de Gibbons explora, con su característica vulnerabilidad, las ansiedades y desafíos de la vida adulta. Desde ahí, el disco se despliega como una introspección cargada de melancolía, navegando por los paisajes emocionales del paso del tiempo y las complejidades de la existencia. Producido por James Ford y enriquecido con las contribuciones de Lee Harris (exintegrante de Talk Talk), Lives Outgrown se define por una instrumentación minimalista pero exquisitamente elaborada. Destacan canciones como «Floating on a Moment», que transmite una intensidad emocional devastadora. Letras como «All going to nowhere (nowhere) / All going / Make no mistake” reflejan temas universales como la ansiedad, la maternidad y el envejecimiento, dando al álbum una dimensión íntima y al mismo tiempo universal. El cierre, «Whispering Love», encapsula el espíritu del disco: una sencillez etérea que invita tanto a la reflexión como al despojo emocional. Aunque se perciben lejanos ecos de su trabajo en Portishead, aquí Gibbons prioriza un enfoque íntimo, demostrando una habilidad innata para conmover a través de la honestidad y la vulnerabilidad. En resumen, Lives Outgrown es una obra profundamente conmovedora y madura. Beth Gibbons reafirma por qué su voz y su arte continúan siendo tan relevantes como profundamente humanos. Este álbum exige ser escuchado con atención y sensibilidad, ideal para quienes buscan música nacida de un lugar visceral y auténtico.

7.-Every Sound Has A Color In The Valley Of Night (Part II)-Night Verses

‘Every Sound Has a Colour in The Valley of Night’ es el quinto álbum del trío norteamericano Night Verses, pero en realidad se trata de un trabajo que fue parcialmente publicado el año pasado con 7 canciones bajo el nombre ‘Every Sound Has a Colour in The Valley of Night pt. 1’ y luego dado a conocer en su totalidad con una extensión de 7 canciones más en marzo de este 2024. Tras la salida del baterista y dibujante Aric Improta de su banda en paralelo Fever 333 el año 2022, el músico junto a sus compañeros Nick De Pirro en la guitarra y Reilly Herrera  en el bajo se vio en la necesidad de ir de lleno al estudio y grabar un nuevo disco para NV después de 5 años desde su antecesor. Tanto la primera parte como esta extensión explora y muestra a los músicos en la cúspide de la experimentación en torno al metal progresivo instrumental –también ambiental, fusionando en efecto –y en clave up tempo– el prog con ambient music, djent, math rock, post-metal y psicodelia de una manera única, auténtica y difícil de encasillar más allá de “Night Verses”. Y se dice que es un trabajo que logra tan precisamente cohesionar sentidos que es como si no sólo se tratase de una experiencia sonora sino que también visual, presentándonos una amplia gama de colores que te elevan a otro mundo. La placa cuenta con la participación de músicos que de hecho inspiran el sonido de NV, tales como el bajista de Tool Justin Chancellor en «Séance», Tristan Shone –conocido como Author & Punisher– en «Aska», Anthony Green en «Slow Dose», y el líder y vocalista de Incubus Brandon Floyd en «Glitching Prisms», cada uno entregando su esencia a aquellas respectivas canciones.

6.-POST HUMAN: NeX GEn-Bring Me The Horizon

Cuatro años después de su precuela «Post Human: Survival Horror» (2020), por fin este año nos sorprende de manera “repentina” con la segunda entrega de la serie «Post Human», esta vez con un álbum completo, a diferencia del EP anterior que nos sitúa en una realidad post apocalíptica donde la humanidad ha sucumbido ante la adicción a la tecnología y la hiperconectividad. Para este lanzamiento, el concepto se desarrolla mucho más, aportando un hilo a la historia que cuentan E.V.E, Kingslaver, Genesxs y SYCKO. Jugando con esta idea, acá los británicos pierden el miedo total a la experimentación y es que la multiplicidad de géneros presentes dificultan el trabajo de catalogar apropiadamente la sonoridad del disco, no obstante, se pueden apreciar sonidos que van desde el hyperpop, electrónica, metalcore, rock alternativo, post-hardcore y emo. Con paisajes brillantes y saturados, las letras que cuentan historias sobre desesperanza y crisis existenciales, nos dan una dosis de utopía que se encuentra presenta a través de toda la escucha, en melodías que abrazan el pop y el metalcore en partes iguales, dando como resultado una ambiciosa producción que fusiona géneros de manera superior, pues cuenta con microdetalles excelentemente cuidados, desde los arreglos instrumentales hasta el estilo lírico, demostrando que la banda es incapaz de quedarse en un mismo sitio y se mueve en una constante evolución musical. Esta vez la energía frenética y la solidez de su estructura, convierte a este trabajo de samples y fragmentos memorables, en una fuerza creativa que trasciende a su propia trayectoria, sin duda, un esencial de este año.

5.-Negative Spaces-Poppy

Negative Spaces es el resultado de ideas transgresoras y una apuesta creativa. En este sexto álbum, los múltiples intentos de Poppy por encontrar la esencia de su sonido parecen por fin haberse resuelto, y es que con la llegada del primer sencillo «New Way Out» sabíamos que esta producción donde Jordan Fish (ex bring me the horizon) había puesto mano, sería todo menos monótona, pues con un ritmo similar al metalcore de los 2010, el single se sentía intencionalmente accesible y abierto a la interpretación, un juego donde cada instrumento y detalles parecen ser cuidados, sin embargo, aunque vas con una idea predeterminada a su escucha, la diversidad del disco no pierde el tiempo en aportar energía y magnetismo, combinando géneros como el metalcore, el synth pop y metal alternativo, se podría englobar en una suerte de industrial core que capta la atención de los oyentes desde el primer tema, convirtiéndolo en uno de los trabajos más disfrutables de la escena este año, pues es un mix acertado y bien ejecutado entre riffs potentes, guturales y voz melódica, una reinterpretación fresca y vanguardista del core al que estamos acostumbrados. Aporta una recopilación de coros adictivos y ritmos que combinan naturalmente la fuerza del metal con la versatilidad de la electrónica, con toques de una agresividad visualmente atractiva y cantado a veces en ritmos nerviosos, dan cuenta de la particularidad de la cantante que con ambiciosas capas sonoras no teme mostrar el carácter esquivo y desafiante de su música, por lo que se convierte en un destacado del 2024.

4.-Friend Of A Phantom-VOLA

El cuarto larga duración de los daneses VOLA llega después de un año total de promoción orgánica, adelantando varias de sus canciones como videoclips que permitieron una aproximación más artística en complemento a lo musical. Con 9 canciones, y la participación de Anders Friden de In Flames en el single Cannibal, el disco mantiene la misma línea compositiva que su trabajo anterior Witness del 2021, caracterizado por los guiños constantes al djent con texturas provenientes del triphop, el synth y la electrónica en general. Los arreglos en teclado de Martin Werner destacan por su dinamismo y variabilidad, y la guitarra de Asger Mygind se mantiene siempre firme y definida, además de los mayores intentos de Mygind por utilizar voces raspadas en su canto. Por otra parte, Adam Janzi logra seguir cautivando con sus fills de batería dinámicos y fluidos, y el papel de Nicolai Mogensen en el bajo sobresale en cada nota, fundamentalmente por su ejecución filosa y a la vez rítmica. El segmento intermedio de “We Will not disband”, “Glass Mannequin” y “Bleed Out” son musicalidad pura, y el penúltimo tema “Hollow Kid” entrega atractivos riffs que mantienen a Vola como una de las bandas contemporáneas más vanguardistas y dinámicas del metal contemporáneo.

3.-Romance-Fontaines D.C.

Romance de Fontaines DC es un sentimiento incómodo, pero a la vez esperanzador que te inunda y que te deja el alma demasiado débil. —Maybe romance is a place— como el eco de un lenguaje antiguo en la voz de Grian con una atmósfera cinematográfica. Es el cuarto disco de una banda que abraza su transformación a estrellas de rock. En este disco dejaron de lado la poesía y la dureza de la clase obrera de Irlanda y adoptaron una especie de post brit pop frankensteiniano con un ensamble gótico americano de los noventa. Si en «Dogrel» plantaron la semilla de lo que desarrollarían de forma majestuosa en «A Hero’s Death»; y en «Skinty Fia» se consagraron como números 1 con una inquietud indomable de explorar influencias sin mayor prejuicio que su carácter, aunque turbia y de ritmo fúnebre. Con Romance nos invitan a una exploración profunda, quizás en un reinicio completo luego de mudarse a Londres, aun proyectando un aura de insolente despreocupación. Es un disco líricamente muy pesado. “El romance puede ser un lugar del que estás encerrado, que te confunde. Tal vez no tengas el idioma para obtener acceso”. Uno de los aspectos más llamativos del disco es su producción. El álbum suena expansivo y cada instrumento encuentra su lugar en la mezcla. Los Fontaines acá se sinceran y las defensas se reducen a la nada. Y al contrario de lo que dijo Ian Curtis en «Love Will Tears Us Apart», Grian finalmente admite que, después de todo, el amor triunfará. Romance tiene la verdadera locura de una sesión nocturna. Y ciertamente este disco se siente así. Lleno de paisajes sonoros claustrofóbicos que te inundan, ocasionalmente tomándose el tiempo para golpearte por dentro, aunque manteniendo la oscuridad inherente a la música de Fontaines mientras muestra una zigzagueante imprevisibilidad. Hay valentía y el quinteto de Dublín se consagra como un proyecto congruente y es una tremenda prueba de cómo sobreponerse al éxito tras un estelar arranque de carrera que la banda ha vivido desde su primer disco.

2.-The Last Will and Testament-Opeth

En The Last Will and Testament, los suecos entregan un álbum monumental. Un retorno a sus raíces en el death metal progresivo, sin abandonar la sofisticación narrativa y musical que ha definido su evolución. Mikael Åkerfeldt, alma y voz de Opeth, confesó en una entrevista publicada en el canal oficial de YouTube que este trabajo fue un punto de inflexión tras la senda marcada desde Heritage (2011) hasta In Cauda Venenum (2019). Según él, Waltteri Väyrynen (ex baterista de Paradise Lost) lo motivó a hacer algo más oscuro y como banda concibieron un disco conceptual situado en los ecos de la postguerra, influenciado también por la serie Succession. Las piezas simulan la lectura de un testamento con cada tema representando un párrafo numerado del §1 al §7, un enfoque que da coherencia a la narrativa del disco que se centra en los conflictos de herencias. Instrumentalmente, The Last Will and Testament resucita el growl de Åkerfeldt que tantos seguidores querían de regreso, acompañado de riffs que se mueven entre la brutalidad y la melancolía. Además de contar con la colaboración de Ian Anderson (Jethro Tull) en la flauta y voz, y Joey Tempest (Europe) en voces, dos aportes que enriquecen el carácter dramático del trabajo en suma de los arreglos orquestales que estuvieron a cargo de Dave Stewart y añaden una dimensión cinematográfica al conjunto.

1.-Songs Of A Lost World-The Cure

«Songs Of A Lost World» llegó como una brisa fresca, pero con el tono oscuro clásico de los ingleses. La vuelta al estudio de The Cure causó revuelo y expectación en el panorama musical global y no decepcionaron, entregando un disco que rescata lo mejor de sus fórmulas. Esta vez, su lírica anuncia de forma clara su vínculo con la idea de cómo se acaban las cosas, la aceptación de la muerte y el paso del tiempo; todo fundido entre sinterizadores absorbentes, guitarras con melodías que se quedan en la cabeza, y la voz nostálgica característica de Smith. Mucho se ha comentado de las similitudes de este trabajo con ”Disintegration”, su obra más aclamada publicada en 1989 y clásico de la cultura pop a esta altura. Pero es un trabajo que brilla con luz propia. Por más años de ruedo que tengan los ingleses, siempre se encargan de demostrar los pasos “más allá” que pueden dar y de proyectar una madurez compositiva que no deja de sorprender, en donde ningún detalle está de más y en donde todas las piezas tienen su lugar. Tracks como “Alone”, “Warsong” o “Drone:Nodrone” son una prueba clara de cómo capturar oscuridad, nostalgia y belleza, logrando dar con un escenario de fragilidad, pero con un gran soporte de por medio: una banda afiatada desde hace décadas que cuenta con un líder compositivo que es de las mentes creativas más fructíferas de la música. Recientemente, Robert Smith anunció que aparte de “Songs Of A Lost World”, hay un lanzamiento programado para un próximo álbum que se supone vendría a ser un “acompañamiento” del disco. Pero, además, también hay otro trabajo que, según las palabras del británico, tiene un sonido completamente diferente a lo hecho recientemente. Cabe considerar que esta vuelta al estudio venía con un proceso creativo que comenzó desde hace años y que ya había permitido que la banda compartiera algunas canciones que lo conforman en vivo, por lo que las expectativas de lo próximo a publicar por la banda son altas.

Ir a la primera parte, del 50 al 26